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ARTES

Lady Di cambió los códigos reales en la moda

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La princesa Diana de Gales sigue siendo, 20 años después de su muerte, un símbolo del buen vestir que revolucionó los códigos indumentarios de la familia real con la ayuda de grandes diseñadores.

«Aprendió rápidamente a usar la moda como instrumento para transmitir mensajes y promover causas», explicó Libby Thompson, comisaria de la exposición Diana: Her Fashion Story, que puede verse en la que fue su residencia, el palacio londinense de Kensington. Apodada la Tímida Di antes de su boda con el príncipe Carlos, heredero del trono, en 1981, Diana salió de su caparazón al cobrar conciencia de que la ropa tenía un gran poder comunicativo.

Lady Di descubrió en la moda una manera de expresarse. Foto: AFP

«La princesa aprendió a conseguir que su vestuario dijera lo que ella no podía, y colaboró estrechamente con diseñadoras como Catherine Walker para cuidar su personalidad mediante la ropa», estimó Sophie Goodwin, directora de moda de la revista Tatler, en declaraciones al diario The New York Times.

Diana dominaba el arte de llevar el vestido correcto en cada ocasión. Al visitar hospitales, vestía con colores luminosos para parecer cálida y accesible, y en sus visitas al extranjero usaba prendas inspiradas en los colores nacionales, como el vestido blanco con topos rojos que lució en Japón en 1986. «Eligió no llevar guantes, como hacía y sigue haciendo su suegra, la reina Isabel II, porque le gustaba entablar contacto con la gente», indicó Lynn. Las fotos de la princesa estrechando la mano a unos enfermos de sida en 1987 ayudaron a acabar con ciertos mitos que rodeaban a la enfermedad, como el del contagio por el mínimo contacto.

La mujer más fotografiada de su tiempo entendió las reglas del vestir de la realeza, pero no temía forzar sus límites. Así, usó vestidos negros de noche, un color que la Casa Real reserva para los momentos de duelo, y fue la primera en llevar pantalones en un acto vespertino.

Atrevimiento

Diana ayudó además a modernizar el vestuario de la realeza, con vestidos que causaron una gran impresión, como el de terciopelo azul que usó en una cena en la Casa Blanca en 1985. Con este vestido, bailó con el actor estadounidense John Travolta la canción You Should Be Dancing, de la película Saturday Night Fever, que él protagonizó. Apodado el vestido Travolta, tiene su propia página en Wikipedia y fue vendido por US $318 mil  (Q2 millones 308 mil 680) en una subasta en 2013.

Sus atuendos siguen vigentes tras su muerte. Foto: AFP

Después de divorciarse del príncipe Carlos, en 1996, Diana volvió a cambiar de estilo y renunció a los diseñadores británicos, a los que había dado la prioridad, en favor de casas de moda internacionales como Dior, Lacroix o Chanel, y empezó a usar vestidos más atrevidos, más escotados y por encima de la rodilla. «Durante muchos años, la princesa de Gales fue la gran y única obsesión del mundo de la moda y la adalid del glamur como lo conocemos», escribió Sarah Mower en el diario Daily Mail.

Su estilo fue muy imitado y todavía inspira a los diseñadores. Así, la marca ASOS lanzó en 2016 una colección basada en su estilo informal. En la era de las redes sociales, la princesa sigue vigente, y la cuenta Princess Diana Forever de Instagram, que tiene 160 mil seguidores, publica diariamente una foto suya con diferentes modelos, dándola a conocer a las nuevas generaciones.

*AFP

Stephany López
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ARTES

Corriente que da alegría fluye en Guatemala 

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Una festividad artística y divertida se vivirá en La Correntada, un festival latinoamericano de payasos, por realizarse en la ciudad de Guatemala del 6 al 12 de mayo, en diversos lugares. Es creado y autogestionado por la compañía Corriente Payasa, definida como una confluencia armoniosa entre todas las corrientes que respaldan el arte de estos en el país. 

“En esta primera edición establecemos relaciones significativas con Colombia como país aliado, al invitar a dos destacados artistas colombianos, Viviana Bernal y Lucho Guzmán, quienes compartirán su arte y conocimientos”, anunciaron sus organizadores.  

Las actividades

Hasta el 10 de mayo
de 9:00 a 13:00 horas
Taller del payaso El placer
de estar al vacío 

Xpacio (zona 1), en sala 13.
Costo 500 quetzales (cupo limitado)

Inscripciones al 3073-3719 o escríbales a: [email protected]

Miércoles 8, 18:00 horas

Conversatorio El payaso en Latinoamérica       

(Guatemala-Colombia)

Centro Cultural de España

Entrada gratuita

Jueves 9, 19:00 horas

La electus, de Viviana Bernal (Colombia) 

Centro Cultural de España

Entrada gratuita

Viernes 10, 19:00 horas

Naufregados, una obra de payasos 

(Guatemala) Iglesia San Vicente de Paúl 

de la colonia La Bethania, zona 7

Entrada gratuita

Sábado 11, 16:00 horas

Ceniza, de Lucho Guzmán (Colombia),

Universidad Popular (UP)

75 quetzales la entrada

Domingo 12, 11:00 horas

Circo de las flores de Me quito el 

sombrero (Guatemala), Teatro Lux, zona 1

Entrada Q75

Marisol Vásquez Fotógrafo: Cecilia Vicente
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ARTES

Serie revive el legado de la lucha libre guatemalteca

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Astro de Oro: La Leyenda, es un documental que muestra la trayectoria de uno de los personajes más importantes de la lucha libre guatemalteca. El reportaje lo produjo Barak Audiovisual y Cine Chapín, del director Diego Moré, socio de la Comisión de Economía Naranja, de la Asociación de Exportadores de Guatemala (Agexport), que apoyó el proyecto.  

Cada domingo estrena un capítulo, después de las 18:00 horas, en la plataforma guatemalteca de eventos y contenido digital Vívelo. Esta consta de 13 episodios, con una duración de entre 20 y 50 minutos cada uno, los cuales revelan material histórico del proceso evolutivo de este deporte en el país.

Resurgimiento de la lucha libre profesional 

En 1983, el promotor Jorge Reyes Alonzo estableció alianzas internacionales para revitalizar el deporte-espectáculo en el país. En este contexto, surge la figura de Astro de Oro, un joven enmascarado entrenado por expertos, quien debutó en 1985 en la Arena Internacional. Desarrolló una exitosa carrera, dentro de la cual desenmascaró a numerosos rivales, al ganar campeonatos y establecer récords de taquilla en el Coliseo Nou Camp y Gimnasio Nacional. Su popularidad creció y realizó una gira
internacional por El Salvador y México. Su recuerdo permanece a 30 años de su retiro.

Ficha técnica producción

Dirección: Diego Moré

Asesoría ejecutiva: Raúl Azcoitia (México)

Locución: Miguel Linares (México)

Fotografía: Cámara México: Rosendo Cansino

Cámara: Roberto Cifuentes

Cámara 2: Diego Cifuentes

Edición: Barack Audiovisual

Música original: Diego Moré

Marisol Vásquez
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ARTES

GROO, UNA TONTERÍA BÁRBARA

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Foto: Sergio Aragonés.

Groo the Wanderer (Groo el Vagabundo), del artista mexicano-español Sergio Aragonés, es una popular serie de cómics que presenta a un bárbaro tonto pero letal que vaga por un mundo de magia y fantasía, dejando el caos a su paso. Aragonés, conocido por su trabajo humorístico en la revista Mad, inicialmente concibió Groo en la década de 1970, pero tuvo problemas para encontrar un editor dispuesto a aceptar sus términos de propiedad del creador. No fue hasta 1981 cuando Groo finalmente debutó en la antología Destroyer Duck #1, de Eclipse Comics. A partir de entonces, el éxito de Groo ha allanado el camino para los cómics propiedad de creadores independientes.

Groo es una parodia de Conan el Bárbaro, pero a diferencia del astuto guerrero, es increíblemente denso y a menudo causa calamidades no deseadas debido a su incapacidad para comprender conceptos simples. A pesar de su incompetencia es un espadachín formidable, capaz de derrotar a ejércitos enteros. Sus aventuras suelen seguir un patrón: Groo entra en una ciudad, lo contratan o él se ofrece como voluntario para ayudar y, sin darse cuenta, lo arruina todo. Sin embargo, en medio del caos, ocasionalmente comete actos de heroísmo accidental o crecimiento personal, como aprender a leer, en el número 100.

La serie cuenta con un colorido elenco de personajes, incluido el leal compañero canino de Groo, Rufferto, y el astuto Sage. Villanos como las brujas Arba y Dakarba suponen obstáculos recurrentes para Groo, mientras que el Capitán Ahax sufre repetidamente las consecuencias de la presencia de Groo.

Es dibujado y entintado por Aragonés, quien además idea las historias. Mark Evanier se encarga de escribir los diálogos. El letrista Stan Sakai y el colorista Tom Luth redondean el equipo de producción. Los creadores mantienen una estrecha relación con los fans, incorporando chistes e interactuando con los lectores a través de tiras cómicas y por medio de la sección de cartas al editor. Frecuentemente, los integrantes del equipo creativo aparecen como personajes secundarios en las historias.  

A pesar de su naturaleza cómica, Groo aborda problemas del mundo real como la censura y los temas de inmigración a través de la sátira. El arte de Aragonés, caracterizado por detalles intrincados y una sincronización impecable, eleva la serie, a menudo con páginas de presentación elaboradas.

Aunque las historias de guerreros y hechiceros ya no son tan populares, Groo se acerca al medio siglo de existencia luego de pasar por varias editoriales como Pacific Comics, Epic, Image y Dark Horse. En 2014 se publicó Groo vs. Conan, donde los dos bárbaros legendariamente finalmente se reunieron en un mismo cómic. 

Alejandro Alonzo
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