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OPINIÓN CULTURA

El acto de matar

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Haga de cuenta que usted fue un engranaje esencial en la erradicación de comunistas en su natal Indonesia. Imagine que 40 años después le proponen hacer un documental acerca de sus vivencias cuando de gángster, contratado por el Gobierno, asesinó a más de mil personas. Piense que, aún ahora, usted lo ve como algo normal.

Entonces, frente a la cámara, usted muestra cómo y en qué lugares hizo lo suyo y lo recuerda inmutable. Después, usted cuenta que utilizaba estupefacientes y alcohol para olvidar un poco las atrocidades, para sentirse feliz, y en ese preciso instante, en la misma terraza en la que describió cómo ejecutaba comunistas, se pone a tararear y a bailar recordando esas juergas. Usted es Anwar Congo, líder de un escuadrón de la muerte, y este es el documental de sus recuerdos: The Act of Killing.

Anwar revela sus actos entre el cinismo y la inocencia, como si no dimensionara el confesar la ejecución de un millar de seres humanos. Pero las travesuras de Anwar tienen su factura, según dice: las pesadillas son consecuencia de matar gente que no quería morir y no lo dejan descansar en paz.

Eso sí, nuestro protagonista no está solo y en el documental nos presentan a los cercanos camaradas con los que trabajaba. Lo que se evidencia es que las atrocidades cometidas en Indonesia fueron tales, que incluso la prensa era parte de ese teatro absurdo. “Como periodista, mi trabajo era hacer que el pueblo odiara a los comunistas”, es una de las declaraciones del editor en jefe de un diario local.

Le aseguro que entre más tiempo vea este documental, usted ingresará en un sedimento denso en el que conocerá lo absurdo que puede ser la realidad. Por ejemplo: “tengo pesadillas, tal vez porque cuando estrangulaba a la gente con el alambre, los veía morir / pero cuando utilizabas otros métodos, también los mirabas / sí, pero en esos casos, antes de quedarme dormido, no me regresa el recuerdo, / tus pesadillas son solo una alteración nerviosa, matar es el peor crimen que se puede cometer, hay que encontrar una forma para no sentirse culpable”.

Entre tanta declaración insana, también hay puntadas de reflexión: “los crímenes de guerra los definen los ganadores. Yo gané, así que puedo crear la mía, no necesito seguir las definiciones internacionales, y lo que es más importante, no todo lo que es verdad es bueno”. Y también esta: “te doy una medalla por ejecutarme y enviarme al cielo. Te lo agradezco mil veces”. Este último procede de uno de los extractos del videoclip musicales que Anwar personifica. Un documental demasiado oscuro.
Gabriel Arana
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ARTES

¿Qué vimos en 2002?

Hubo espacio para algunas superproducciones de aventura.

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David Lepe

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Foto: Cortesía Touchstone Pictures

Hablemos de cine. El año 2002 tiene una gran peculiaridad, sobre todo para un país como Guatemala, en donde la mayoría de películas a las que se tiene acceso son distribuidas desde Estados Unidos. 

Debido al duelo que aún vivía ese año el país norteamericano provocado por los ataques del 9/11, todo proyecto de largometraje relacionado con risas, brillo o violencia explícita, tenía altas probabilidades ser rechazado por el público o que la misma distribuidora lo guardase en una caja fuerte.

Hubo espacio para algunas superproducciones de aventura de sagas (Star Wars: Episode II – Attack of the Clones, The Lord of the Rings: The Two Towers y Harry Potter and the Chamber of Secrets), pero también destacaron filmes dramáticos de presupuesto mediano. Algunos de estos fueron: The Hours, In America, About a Boy, Igby Goes Down, The Good Girl, Moonlight Mile, 40 Days and 40 Nights y Birthday Girl.

Y aunque se estrenaron filmes de vacas sagradas de Hollywood como Roman Polanski (The Pianist), Steven Spielberg (Catch Me If You Can), Martin Scorsese (Gangs of New York) y Brian De Palma (Femme Fatale), también hubo espacio para los entonces conocidos como “los nuevos cuentahistorias del cine”, quienes ahora han cimentado su nombre como algunos de los mejores cineastas en la actualidad. Me refiero a David Fincher (Panic Room), Christopher Nolan (Insomnia), Alexander Payne (About Schmidt) y M. Night Shyamalan (Signs).

Hubo espacio para algunas superproducciones de aventura.

También se dejó un rincón privilegiado para extravagantes títulos que hicieron dar vueltas a nuestras cabezas, como Secretary, con las actuaciones de Maggie Gyllenhaal y James Spader; Adaptation, dirigida por Spike Jonze y escrita por Charlie Kaufman; y Punch-Drunk Love, del director Paul Thomas
Anderson. 

Y el cine fuera de Estados Unidos tuvo un resplandor maravilloso. Se publicaron obras tan hermosas como inolvidables, entre estas la mexicana Y Tu Mamá También (de Alfonso Cuarón), la brasileña Ciudad de Dios (de Fernando Meirelles), la japonesa El viaje de Chihiro (de Hayao Miyazaki), la francesa La Profesora de Piano (de Michael Haneke) y las españolas Hable con ella (de Pedro Almodóvar) y Lucía y el Sexo (Julio Medem).

Una de mis favoritas ese año, si me das permiso para compartirla, estimado lector, es la maravillosa 25th Hour, de Spike Lee. No solamente une a tres de mis actores favoritos (Edward Norton, Philip Seymour Hoffman y Rosario Dawson), también relata una historia post 9/11 que mantiene al espectador pensando e imaginando escenarios desde los primeros minutos.

Otros largometrajes que me encantaron fueron el documental Bowling for Columbine, que tuve la oportunidad de verlo en la hermosa sala principal de la Cineteca Nacional de México; y 24 Hour Party People, filme autobiográfico acerca de la comunidad musical de Manchester entre 1976 a 1992, el cual lo conocí gracias a un extraño y desordenado festival de cine británico. No todos los días podemos admirar la primera presentación en vivo de The Sex Pistols.

Por último, cabe recordar que la locura actual de las películas de superhéroes comenzó en 2002, con Spider-Man, filme que a pesar de tener efectos visuales que no han envejecido bien, nos relata una historia con corazón que muchos guardamos con admiración y cariño.

Y pensar que, con tantas hermosas películas, Chicago fue elegido “Mejor filme” ese año por los Oscar. Pero, bueno, ¿qué sabemos nosotros de cine?

David Lepe
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ARTES

LOS DANZANTES, DE LUIS CAAL

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Guillermo Monsanto
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Foto: Cortesía Guillermo Monsanto

Luis Caal es un artista del siglo XXI que pertenece a un conglomerado, muy puntual, de creadores cuya base expresiva es el dibujo. El vínculo con el color, la abstracción de la figura y el amor al oficio definen sus hallazgos de diferentes maneras. Al mismo tiempo, valoriza el espacio del taller como templo de rituales creativos. De allí que la obra ya materializada, de modo bidimensional generalmente, adquiera relieves apreciables para la pintura del presente.

Otra de sus fortalezas se plantea desde el campo multimedia al crear dibujos digitales que dialogan con sus propuestas a mano alzada. Su atracción por lo urbano le ha llevado a crear murales para distintos muros. Medios, todos los listados, con los que ha abierto brechas importantes que lo han llevado fuera de las fronteras de Guatemala.

Su trabajo se ha exhibido en Italia, España, República Dominicana y en destacadas salas nacionales.

Caal posee un amplio rango expresivo.

Caal posee un amplio rango expresivo. Las abstracciones antropomorfas y zoomorfas le han brindado materia de sobra para internarse en ilimitadas concepciones; entre ellas, los estilizados rostros femeninos. También posee un lazo muy fuerte con los referentes que construye la mitología de los pueblos ancestrales, la fusión intercultural y otras temáticas relativas a las relaciones sociales. De esto último surge su experiencia con el grafiti y la pintura de aerosol.

Los Danzantes, su serie más reciente, responde a su interés por lo cultural-urbano; específicamente las festividades musicales de moros y cristianos. Lo primero que resalta en esta nueva colección es la depuración de contenidos, el límpido dibujo, la acertada composición y el manejo monocromático del pigmento.

La información que brinda cada pieza es la justa, nada sobra y nada falta. Esencialmente gestiona su propia versión de una acción que da importancia a la euforia espiritual, muy personal, reflejada en sus sujetos.

El estudio de las máscaras es importante y se suma a los realizados en su momento por Guillermo Grajeda Mena o Ramón Ávila. Con ello dota a su generación de una iconografía referencial. Además de los personajes que representa cada bailador, indica el propio artista, le cautivó el movimiento de los cuerpos, las palabras apenas audibles enredadas con el sonido de las marimbas y los juegos pirotécnicos.

Toda una escena en que la espontaneidad surge de la energía de los intérpretes. “Los ritos”, acota Caal, son “como una forma que busca lo que está más allá de nuestros cuerpos”.

Destaca en la colección la Danza de los toros rojos, ya que es un políptico que funciona como instalación por sus dimensiones variables y escultura en la constitución colectiva de sus componentes. La silueta dentada propone dibujos exteriores que van más allá de los sugeridos por los objetos. El espejo adosado sugiere, con sus ilimitadas posibilidades de reflejo, una lectura diferente para cada observador.

Guillermo Monsanto
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ARTES

MIKE ALLRED, EL LOCO

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Alejandro Alonzo

https://www.facebook.com/elcomicbuquero
Foto: Cortesía DC Comics

El galardonado autor estadounidense Mike Allred (1962) es tal vez uno de los más vehementes escritores y artistas que surgieron de la comunidad de cómics independientes de los noventa, un contexto que también fomentó a creadores como Jeff Smith, Peter Milligan y Garth Ennis.

Allred ha dicho que ve los cómics como la manera perfecta de combinar su amor por las artes visuales con su interés por la música y el cine, que surgió al crecer en una época que vio temas serios similares que finalmente encuentran una expresión en la cultura popular.

Se dio cuenta de que los cómics proporcionaban esta vía después de leer la serie Love and Rockets de los hermanos Hernández y el trabajo de Jaime Hernández en Mister X. Más que nada, Allred ha encontrado que los cómics son el medio perfecto para explorar sus inclinaciones existenciales, y establecer obras que estén impulsadas por los personajes, no por las ganancias. Sin embargo, Allred cree que los cómics en sí mismos todavía tienen que ser percibidos de manera diferente para que brille una narrativa impulsada por los personajes.

Mike Allred cree en cómics impulsados por los personajes, no por las ganancias.

En 1990, Allred creó la historia de Frank Einstein, un posible asesino a sueldo que se convierte, gracias a los milagros de la ciencia, en el superhéroe (o antihéroe) Madman tras morir en un accidente de coche. Además de su sentido del humor surrealista, el título es una salida para el estilo artístico elástico de Allred, que está influenciado por Charles M. Schultz, Maurice Sendak y (lo más importante) el artista pop Roy Lichtenstein.

Su esposa, Laura, actúa como su colorista desde que comenzó a trabajar en cómics profesionalmente y, a menudo, ha incorporado elementos puntillistas en sus portadas. Además de Madman, Allred también es conocido por su trabajo en Red Rocket 7 (comenzado en 1997), la historia de un clon alienígena con una habilidad musical superelevada que influye en los últimos 50 años de la música popular; y X-Statix, su relanzamiento de X-Force en 2001 con el guionista irlandés Peter Mulligan, que presenta a un grupo de antihéroes más preocupados por la fama que por salvar el mundo.

Allred produjo una nueva edición de 13 números de Madman, que se convirtió en una serie de one-shots que continuaron la tradición del autor por la experimentación artística y narrativa. Allred no tiene miedo de cubrir material que parece controvertido, no apto para el medio de los cómics, o ambos. The Golden Plates (2005), una adaptación gráfica completa del Libro de Mormón, derivó de su fe en la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. En 2015, su popular cómic iZombie, creado junto con el escritor Chris Roberson, fue adaptado a la televisión. 

Alejandro Alonzo
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Gobierno de Guatemala

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