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OPINIÓN CULTURA

FRANK MILLER, señor de la violencia

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Durante su juventud en Vermont, Frank Miller (1957) devoró todas las revistas de cómics que tuvo enfrente. También leyó muchas novelas de crimen y vio incontables películas de artes marciales. Estas tres vertientes resultarían cruciales en su trabajo.

Dispuesto a ingresar en la industria de los cómics, Miller se mudó a Nueva York en 1977 y laboró como carpintero para sostenerse. Varias veces a la semana visitaba las oficinas de DC y de Marvel, importunando a todos los artistas y editores que podía para obtener críticas de sus dibujos. El creador Neal Adams se interesó en el arte del muchacho, le dio lecciones de cómo dibujar para historietas y le ayudó a conseguir sus primeros trabajos como artista.

Después de intentar entrar en DC Comics infructuosamente, Miller logró ser contratado en Marvel como artista de portadas, lo que más adelante le permitió avanzar a dibujante. A Miller le llamó la atención Daredevil, el superhéroe ciego, por lo que pidió ser asignado como dibujante. A partir de la edición 168 del cómic (1981), también empezó a escribir las historias. Es en este cómic que introduce a la mercenaria ninja Elektra, al maestro Stick y al clan rival conocido como The Hand. En su tiempo con el título, Miller consiguió transformar a Daredevil de un personaje de segunda a uno de los más populares.

Para 1983 creó Ronin, la trama de un samurái que reencarna en una Nueva York del futuro. La historia fue un hito en la industria. Fue publicada en papel de alta calidad y Miller tuvo libertad creativa total, algo muy poco visto en ese entonces.

En 1986, Miller combinó su amor por las películas de Harry el Sucio (Dirty Harry) con una crisis de la edad madura para crear The Dark Knight Rises, una historia que presenta a un Batman cincuentón regresando del retiro. El cómic tuvo éxito astronómico y logró cambiar completamente el concepto que el público tenía del personaje. La visión oscura de Miller influyó poderosamente en Batman, la exitosa cinta de Tim Burton de 1989.

Durante los 90, Miller trabajó en la editorial Dark Horse para crear Hardboiled, Big Guy and Rusty the Boy Robot y Sin City. Este último título, con su estilo visual de alto contraste y su temática noir, fue muy bien recibido por el público y ha sido muy influyente.

Con la llegada del nuevo milenio, la obra de Miller ha experimentado un poderoso resurgimiento, gracias a varias películas recientes que se han basado o inspirado en su obra, siendo la más reciente Justice League (2017).

Alejandro Alonzo
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ARTES

The Black Keys: Let’s Rock

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Sin duda, The Black Keys es el primer supergrupo del siglo, y Let’s Rock, álbum que salió al mundo el 28 de junio, refuerza esa idea. La banda carga sobre hombros la tradición de dos tipos sin suerte que no quieren fama, pero que hoy son dos figuras icónicas en la escena, y parecen estar conformes con ello. 

Mas, hubo un tiempo en que The Black Keys no vendía entradas a sus conciertos, y los fríos inviernos mataban ambiciones. El dúo había sacado tres discos aclamados por la crítica, pero el éxito aún no encontraba el garage

Después de rechazar una oferta de una compañía de mayonesa, Los Keys tuvieron que aceptar que venderse no sería fácil, aunque tampoco difícil, ni lo peor, pues en algún momento tendrían que comer. Así que aceptaron la siguiente propuesta y después la otra, y de pronto su música se escuchaba en series de televisión, comerciales y películas. Llegó el día en que vendieron un Madison Square Garden en 15 minutos, algo muy grande para un dúo de música indie.

Después del éxito que mantuvieron con el psicodélico y melancólico Turn Blue (2014), Dan Auerbach (guitarra) y Patrick Carney (batería) regresan con Let’s Rock, un disco rock pop digerible con metales groovies y ásperos solos de guitarra que de pronto se incendian o gritan.

The Black Keys es un dúo con el que uno, como receptor, no puede dejar de encariñarse. Encontraron la receta para entretener con música honesta y letras sencillas, y eso les da autenticidad. El mercado de empresas parece tener cierta infatuación con ellos. Podría ser porque sus canciones no rebasan los 3:30, duración marcada por el pop para pegar en la radio; nunca se sabe.

Let’s Rock abre con Shine a Light y la letra que evoca la pérdida: “Have you ever tried to love someone who wasn’t even there?” Eagle Birds le sigue, y es imposible no bailar como el video de Lonely Boy, de El Camino (2011); mientras Lo/Hi tiene un guiño a Gimme Shelter, de los Stones. 

Walk Across The Water es una balada melancólica en la búsqueda de aquel “yo” que una vez fue feliz. Tell me lies exige acabar con el acto eterno de sorprender. Dime todas tus mentiras, acaba con tu acto, que, al fin y al cabo, veo tu esencia. Aunque la frase: “Every Woman who’s ever loved you, is telling you lies”, nos dice que Auerbach sigue amargado por su rompimiento y desconfía de todo. 

Every Little Thing es lo que sucede después de marchitar un corazón noble; una venganza divina: “Hold on / Count your blessings / The road’s long and it ain’t always smooth / Every little thing that you do / Is always gonna come back to you.”  Get Yourself Together es la limpia necesaria después de la revolcada emocional. 

Sit Around and Miss You es una baladita tipo Have You Ever Seen The Rain de Creedence Clearwater Revival. Así podemos encontrar canciones que entretienen con su lírica como Go, o la corrupta Breaking Down, que insinúa maldad luego de una ruptura emocional. Under The Gun y Fire Walk With Me cierran el disco incendiariamente y con ganas de más.

Let’s Rock prueba que para entretener se necesita talento. Esto es pop, blues y rock de garage endulzado y aderezado como la receta de tu comida favorita. Sigue la tradición de sus predecesores. No tiene un tema significativo, pero el ensamble es ciertamente encantador. El dúo sigue su camino exitoso y continúa imparable.

Allan Martínez
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ARTES

EL REY DE LOS SUEÑOS LLEGA A LA TV

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A 30 años de que DC Comics publicara el primer cómic de la serie The Sandman, de Neil Gaiman, esta finalmente será llevada a la pantalla chica. El titán del streaming Netflix adquirió los derechos de producción televisiva luego de firmar un acuerdo con Warner Bros., el más caro de su género. 

The Sandman (1989) trata acerca del rey de los sueños, Morpheus, quien logra despertar tras 70 años de cautiverio a manos de un mortal. La serie ha tenido no menos de 75 ediciones y, a menudo, se le describió como imposible de ser filmada, con varios intentos fallidos de adaptarla. Uno de las tentativas más recientes fue en 2016, cuando el actor Joseph Gordon-Levitt, un fan declarado del título, adquirió los derechos y se preparó para crear una versión cinematográfica, la cual sería dirigida y protagonizada por él mismo. Sin embargo, el proyecto no se realizó debido a “diferencias creativas” con el estudio New Line.

Ahora, Netflix ordenó 11 episodios, y la empresa describió la serie como “una rica combinación de mito moderno y fantasía oscura en la que la ficción contemporánea, el drama histórico y la leyenda se entrelazan a la perfección”.  Gaiman escribirá el primer capítulo con los productores Allan Heinberg y David S. Goyer. El autor, que acaba de adaptar para Amazon la novela Good Omens, que escribió con Terry Pratchett, dijo que la producción solo cubriría Preludes y Nocturnes, los primeros ocho episodios de la serie Sandman.

“Espero que podamos hacer algo en la televisión que se sienta tan personal y verdadero como lo mejor de los cómics de Sandman”, escribió Gaiman en Twitter. El creador mencionó que estaría menos involucrado de lo que había estado con Good Omens, en la que dirigió la producción completa, pero mucho más que en la adaptación del canal Starz de su novela American Gods, de la que fue un productor ejecutivo.

No se han mencionado fechas de estreno, pero la ejecutiva Channing Dungey dijo lo emocionados que estaban en Netflix por finalmente poder llevar la icónica serie de cómics a la vida en la pantalla. “Desde sus ricos personajes y sus historias hasta sus mundos intrincadamente construidos, nos entusiasma crear una serie épica original que se adentra en este universo de múltiples capas amado por los fanáticos”.

Moviéndose entre los albores del tiempo y la víspera del nuevo milenio, en Londres y el Renacimiento, The Sandman sigue a Morpheus a medida que se enfrenta a los cambios que han tenido lugar en el mundo mientras estaba cautivo. También cuenta las historias de sus seis hermanos, los Sin Fin, que incluyen a la Muerte, a Destino y a Deseo.

Alejandro Alonzo
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ARTES

Nirvana: a los 30 años de Bleach

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Bleach mostró, en su momento, a un Nirvana con mucho potencial. Fue alabado por la crítica, aunque suena inválido, y por inválido me refiero a una batería torpe y débil. A pesar de ello, el tiempo le colocó la etiqueta de “disco de culto”. Tuvo un debut nada despreciable, con 40 mil copias vendidas, lo que le sirvió al grupo para recorrer EE. UU. Las ventas del álbum despegaron nuevamente con la salida de Nevermind (1991), por la curiosidad, supongo, y una segunda vez con la muerte de Kurt Cobain, para un total de 5 millones de copias.

En Guatemala, el éxito arrollador que tuvo About A Girl en su versión MTV Unppluged (1994) levantó cierto interés. La saturación, y casi abuso, en rotación de las radios nacionales no daba mucha oportunidad para darle oídos a la original por razones mercantilistas. Sin embargo, Bleach se podía hallar a forma de suerte en las tiendas de discos.

En un principio, Nirvana era un cuarteto integrado por Cobain, Kris Novoselic, Chad Channing (batería) y Jason Everman (segunda guitarra). Este último no grabó ninguna canción, y aunque su paso por la banda fue poco menos que un suspiro, los créditos del disco dan testimonio de su estadía.

Sub-Pop Records, que apadrinó el movimiento grunge nacido en Seattle, se encargó de grabar Bleach en un total de 30 horas y por US $600. Kurt, en varias entrevistas, dijo que practicaron por horas y horas cada una de las canciones hasta que sonaran fuertes y desaliñadas. La voz de Cobain era un vaivén de desgarro y melodía, y eso era lo que encantaba a la disquera.

Las letras son, en sí, una oda al derrotismo, abuso, sarcasmo, odio y desprecio propio. Por momentos son terroríficas. Son 42 minutos de grunge feroz. Sus líricas son sencillas y, al contrario de una fotografía, una frase desencadena miles de imágenes a la velocidad de la luz. 

Blew fue el primer sencillo grabado. Habla de habitar en el limbo y no explotar todo el potencial frente al hartazgo que conlleva el abuso y golpes que provienen de los padres equivocados. Así, el disco viene con dualidades emocionales, y About A Girl es acerca del desdén de la persona “incondicional”. Es decir, la chica, y un chico que no merece ser amado; aquel juvenil sentimiento de secundaria.

El tema School sufre mucho la falta de un baterista diestro, y queda ahogada en la orilla. La diferencia es abismal en sus versiones en vivo y ya con un explosivo Dave Grohl sentado en la batería. Love Buzz fue el cover de la banda holandesa Shocking Blue que Nirvana hizo suyo. Kris hizo la sugerencia, pero Kurt nunca quedó conforme con el resultado. La canción da un toque psicodélico al grunge, y estalla en directo.

Encontramos Paper Cuts, Negative Creep y Scoff, canciones autodestructivas y metaleras. Swap Meet va de las relaciones de perdedores que surgen en el suburbio. Sifting es contestaria y antisistema.

Los 13 temas de Bleach nos dejan insatisfechos. Nos rompen la cabeza con el nervio expuesto y lleno de sentimientos inconscientes y oscuros. El material revive traumas indescifrables que nos acechan fantasmagóricos. Con todo ello, nos alista para el advenimiento de la revolución. 

Allan Martínez
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